Com direção de Moacyr Góes, Júlio Oliveira e Daniel Tonsig conduzem interpretações de enorme entrega em espetáculo que transforma o clássico em reflexão profunda sobre liberdade, perda e humanidade.
Esta crítica pode conter spoiler.
Foto: @joaomariasilvajunior
Entrar no Teatro Estúdio para assistir a O Segredo de Brokeback Mountain significa sentar-se diante de uma história que já carrega memória. Mesmo quem nunca viu o filme ou leu o conto conhece, em algum nível, o destino de Ennis e Jack. A montagem dirigida por Moacyr Góes não tenta competir com essa lembrança e faz algo mais exigente: reconstrói a tragédia pela linguagem do palco e aprofunda aquilo que o tempo, o medo e a renúncia fizeram com aquelas vidas.
O peso da memória
O espetáculo começa pelo fim. Marcelo Brou interpreta Ennis já envelhecido, nos últimos momentos de sua existência, observando a própria vida passar diante dos olhos. Essa escolha organiza toda a encenação. O público não acompanha apenas acontecimentos do passado; assiste à memória de um homem que finalmente consegue olhar para aquilo que viveu, perdeu e nunca soube reparar. Presente durante toda a peça, Brou permanece em plano paralelo, integrado ao cenário e, ao mesmo tempo, apartado da ação. Seu trabalho depende do olhar, da postura e das reações corporais. Sem interferir diretamente nas cenas, ele revela o impacto que cada lembrança produz naquele homem próximo da morte.
Dois homens, duas maneiras de sofrer
É a partir dessa memória que Júlio Oliveira e Daniel Tonsig assumem Jack e Ennis. Os dois entram em cena em estado de entrega no qual o ator deixa de ocupar o primeiro plano. Restam os personagens e a sensação de que aquelas vidas existem independentemente do palco.
Daniel constrói Ennis pelo autocontrole. O personagem não consegue aceitar os próprios sentimentos e transforma o medo em prisão. Tudo o que perde ao longo da vida está ligado à incapacidade de permitir-se sentir. A interpretação evita transformar essa repressão em passividade. O conflito permanece ativo no corpo: na rigidez, nas interrupções da fala, no olhar que foge e no impulso que parece sempre ser interrompido antes de se completar. Ennis toma decisões que ferem Jack, Alma e a própria família. Ainda assim, Daniel impede que o personagem seja reduzido a seus erros. Não pede absolvição, mas oferece ao público as condições para compreender o homem que existe dentro deles.
Júlio Oliveira percorre o caminho oposto. Jack fala, deseja e tenta transformar o sentimento em possibilidade de vida. O carisma aproxima o personagem da plateia desde os primeiros momentos, mas essa abertura não elimina seu sofrimento. Ela apenas lhe dá outra forma. Júlio conduz as camadas de Jack desde o desejo pela liberdade até o desgaste de quem percebe que amar não será suficiente para vencer o medo do outro. Os conflitos familiares, principalmente a relação que ele conta ter com o pai, ajudam a explicar por que ele procura em Ennis não apenas um amor, mas também a oportunidade de construir um lugar de pertencimento.
A diferença entre os dois personagens sustenta o casal. Ennis guarda; Jack projeta. Um tenta sobreviver escondendo-se, enquanto o outro acredita que ainda é possível viver. Quando dividem o palco, Júlio e Daniel produzem combustão que não depende apenas da atração física. Ela nasce da escuta, do jogo e da confiança entre os atores. As cenas de beijo e sexo são coreografadas sem mecanizar a intimidade. O silêncio da plateia, interrompido apenas por respirações e pelo movimento de quem tenta conter as lágrimas, revela que a montagem encontrou naturalidade onde seria fácil construir apenas impacto.
Quando todos são vítimas da própria tragédia
Em entrevista ao Pittaplay, os atores lembraram uma definição de Moacyr Góes: esta é “uma história de desgraçados”. A frase encontra sua materialização no palco. Não há personagem preservado. Todos convivem com perdas, escolhas sem saída e relações que se deterioram porque ninguém possui os instrumentos necessários para interromper aquele processo. A desgraça não chega de uma única vez. Ela se instala aos poucos e cresce enquanto cada personagem tenta continuar vivendo.
Francis Helena Cozta encontra em Alma uma das construções mais difíceis do espetáculo. A personagem descobre o relacionamento entre Ennis e Jack e permanece em silêncio. A partir dali, o sofrimento não depende de confrontos imediatos. Francis trabalha o choque, a humilhação e a perda de referências por meio de um olhar que parece fixado no vazio. A vontade de entrar na cena e retirá-la daquele lugar nasce porque a atriz não transforma Alma em obstáculo para o romance central. Ela é uma mulher traída, presa a uma estrutura familiar que desmorona diante dela. A montagem não romantiza essa traição, mas também não ignora o contexto de repressão que a produz. Alma, Ennis e Jack não são peças de uma equação moral simples. São pessoas atingidas de maneiras diferentes pela mesma impossibilidade de viver com verdade.
A presença permanente de Marcelo Brou reforça esse entendimento. Enquanto a juventude de Ennis se desfaz no centro do palco, sua versão envelhecida assiste a tudo sem poder intervir. É a imagem de alguém condenado a compreender tarde demais. Brou interpreta a peça inteira dentro de um universo particular. Seus olhos acompanham escolhas que já não podem ser desfeitas. Seu corpo parece carregar o peso acumulado por cada silêncio. A solução da direção transforma a memória em matéria cênica e faz do tempo um personagem que observa, cobra e não devolve nada.
Quando a música também interpreta
No fundo do palco, Julia Maez e Yelon Daniel impedem que a trilha sonora seja apenas acompanhamento. Os dois permanecem visíveis, participando da construção emocional da montagem. A voz de Julia entra nas cenas como prolongamento daquilo que os personagens não conseguem dizer. Cada intervenção amplia o impacto sem conduzir o público de maneira automática. Yelon, alternando instrumentos como gaita e guitarra, mantém a pulsação do espetáculo e reforça sua identidade. A música acontece ao vivo porque a peça também precisa permanecer viva, sujeita à respiração dos atores e à energia de cada sessão.
A iluminação completa essa arquitetura. Mudanças de temperatura, sombras, focos e apagamentos não servem apenas para separar espaços e tempos. Elas alteram a forma como o público percebe os personagens. Cada luz que se abre ou desaparece acompanha uma lembrança, uma aproximação ou uma ruptura. Texto, atuação, música e desenho visual trabalham em conjunto para produzir sensação, não apenas entendimento.
Uma ferida que o espetáculo escolhe não fechar
O Segredo de Brokeback Mountain reproduz a tragédia de quem precisa encontrar coragem para viver o amor, mas passa a vida submetido ao medo. Não oferece alívio nem encerra a dor quando os atores deixam o palco. A peça machuca porque compreende que certas histórias precisam abrir feridas antes de provocar reflexão.
O espectador sai carregando aquilo que Ennis demorou uma vida para perceber: o amor pode sobreviver ao tempo, mas uma vida não vivida não pode ser recuperada. A montagem não fecha essa ferida. Deixa que cada pessoa a leve consigo. Algumas cicatrizes demoram a se formar. Outras permanecem apenas para lembrar tudo aquilo que poderia ter sido e não foi.
